LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO

LAS DEFICIENCIAS DEL SISTEMA

A sus setenta y un años, Steven Spielberg sigue siendo uno de los amuletos imprescindibles de la industria hollywodiense. De hecho, pocos directores pueden presumir de tener una carrera fermentada a lo largo de cinco décadas poseyendo, en todas ellas, al menos dos obras (siendo modestos) capaces de arañar la majestuosidad del séptimo arte. Artífice de algunas piezas imprescindibles en la adolescencia del gran público, llámense, según la generación, E.T, Jurassic Park o la atemporal Tiburón, el tratamiento formal y argumentativo de sus primeros trabajos, revolucionarios en sus formas, pioneros en las reformulaciones de la cinematografía comercial de los años ochenta y capaces de atrapar la magia del Peter Pan que todos llevamos dentro, contrasta con una trayectoria posterior, más posicionada en la madurez, brillante en su recuperación del lenguaje audiovisual imaginado por los soñadores de la vieja escuela, convirtiéndose, para regocijo de los más cinéfilos y desagrado de los modernistas, en el último refugio (junto con autores como Eastwood, ahora de capa caída) del cine clásico estadounidense.

Más que visualizar un relato de espionaje con los susodichos papeles como protagonistas (al más puro estilo Todos los hombres del presidente o la reciente Spotlight), Spielberg, en LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO, retrata el auge, años antes de la sonora investigación conducida por Bob Woodward y Carl Bernstein sobre el caso Watergate, del periódico The Washington Post (comúnmente conocido como The Post, título original del largometraje), un diario local de segunda que encontró, para disgusto de la Administración Nixon, una bomba de oxígeno gracias a la publicación de información clasificada (y lamentable) sobre la guerra de Vietnam. Como no podía ser de otra manera, el cineasta detalla esta historia real, apasionante desde el punto de vista periodístico y cinematográfico, con su habitual distinción y sabiduría épica, retomando su consabida narrativa de corte tradicional, ausente de grandilocuencias y pulcra en la descripción, e imprimiendo un sentido del espectáculo rebosante de una emoción que ya quisieran reflejar muchas promesas actuales del celuloide. Y para remarcar ese halo de cine de otra época, se reserva una inteligentísima jugada maestra: juntar por primera vez en pantalla a Meryl Streep y Tom Hanks, dos de los exponentes más respetados y carismáticos de la cultura contemporánea, para dar vida a estos sagaces héroes de la información. La empatía, lógicamente, se hace abrasiva desde el primer encuentro.

Maravillosamente filmada con una estética puramente setentera, plagada de zooms y acorde con el oscurantismo de los tiempos que corren, y culminada con un revelador epílogo que bien podría funcionar como precuela de la obra maestra de Alan J. Pakula, Los archivos del Pentágono no solo es una entretenidísima plasmación de los tejemanejes políticos y las deficiencias del sistema democrático estadounidense (significativos, una vez más, los montajes paralelos de las promesas de los presidentes, de diferente índole política, y sus aprobaciones posteriores); también, un magnífico y sentido homenaje a la prensa escrita, al aroma a tinta que respiran las páginas en papel, a un tiempo que se muere y en el que la búsqueda de la verdad acababa prevaleciendo sobre la frivolidad y el amiguismo presente en los despachos de los rotativos.

EL CÍRCULO

LA CARA OCULTA DE INTERNET

¿Se acuerdan de El show de Truman, la fábula de Peter Weir antesala cinematográfica del inefable y archiconocido Gran hermano? Estrenada en 1997, supuso una revolución por motivos que sobrepasaban los parámetros marcados por el celuloide: con enorme inventiva, y apoyada en un espectacular guion del, en otros tiempos, intuitivo Andrew Niccol, proponía un escenario demoledor en el que un individuo cualquiera, elegido por las manos del azar, podía convertirse en una mera atracción de feria televisiva por obra y gracia de los todopoderosos índices de audiencia. A pesar de que la calidad artística de la película sigue siendo incuestionable, con la hegemonía de internet, principalmente de las estructuras sociales, muchas de sus espeluznantes conclusiones se han difuminado por una causa más aterradora si cabe: gran parte de sus profecías, surrealistas entonces, son un hecho visible y constatable en la desvirtualizada sociedad actual.

Dos décadas después (y ya curados de espanto), EL CÍRCULO propone un ejercicio complementario al planteado por Weir en su excelente distopía, añadiendo los ingredientes informáticos propios de la era digital; ¿qué ocurriría si, en pos de la trasparencia, y de forma totalmente voluntaria, abriéramos la ventana de nuestra vida las 24 horas del día? ¿Las nuevas tecnologías podrían originar, definitivamente, la muerte de la privacidad individual y una transmutación de los sistemas dictatoriales?, son algunas de las preguntas que plantea un film de premisa tentadora, pero de resultados poco consistentes por términos puramente cinematográficos. La falta de personalidad de la cinta (adaptación del típico y mediocre best-seller del momento), su dudosa realización, más pendiente de rascar los triunfos conseguidos por la visionaria Black Mirror que de otorgar coherencia al conjunto, y el pésimo trabajo de su protagonista absoluta, la siempre sobrevalorada Emma Watson, entorpecen las brillantes ideas que, muy en la lejanía, se dejan percibir. No obstante, las reflexiones morales que presenta, todas relacionadas con los peligros que conllevan las redes sociales, de trasfondo perturbador y más creíbles de lo que su estética sensacionalista puede hacer creer, generan un debate tan interesante y efectivo que subsanan, en gran medida, su condición de mero entretenimiento ocasional.

SULLY

EL FACTOR HUMANO

Pocos cineastas han sabido evocar en la gran pantalla el talento y la belleza fílmica que nos regalaron los más ilustres autores del Hollywood dorado como Clint Eastwood. Su forma de aproximarse al cine, de rascar las emociones de sus historias y capturar, a través de primeros planos, el alma de sus protagonistas o la inmensidad del terreno en amplias y fordianas panorámicas (tanto en los westerns como en sus sombríos dramas), le han permitido representar el clasicismo más puro y arrebatador en una industria actual más pendiente de incorporar las últimas innovaciones tecnológicas al celuloide que de reivindicar la lúcida narrativa de antaño.

Considerado, pues, el eslabón definitivo del cine clásico estadounidense, sus recientes proyectos cinematográficos, impecablemente elaborados pero ausentes del temple inconfundible del realizador, dejaban entrever un declive progresivo hacia un cine menos personal y mucho más convencional. Ni sus fallidas incursiones en el drama (Más allá de la vida) ni en el cine biográfico (las correctas pero olvidables J. Edgar y El francotirador) y musical (Jersey Boys, quizá, su peor largometraje hasta la fecha) evidenciaban los signos vitales de sus mejores composiciones, aciertos aislados aparte. La corrección formal seguía presente, sí, pero la tradición y solidez descriptiva parecían haberse evaporado, hasta el punto de que costaba creer que algunas de sus películas estuvieran dirigidas realmente por el genio californiano.

SULLY supone el reencuentro de Eastwood con sus más fieles devotos. No por haber construido la cinta comercial que insinuaba su nimia (y poco cinematográfica) premisa, sino por recuperar sus consabidas pautas académicas entendidas en el mejor sentido del término. De hecho, quien busque grandilocuencia en este relato, inspirado en el amerizaje forzoso llevado a cabo por el piloto Chesley B. Sullenberger en pleno río Hudson y cuestionado por las élites superiores, posiblemente quede defraudado ante el insólito estilo intimista del cineasta. En su mejor película desde la magistral Gran Torino, el director prefiere contar esta historia, oda a esos héroes anónimos vistos con recelo y al esfuerzo colectivo, desde la sobriedad y el realismo característicos de su filmografía, revitalizando nuevamente el espíritu humanista de Ford y la personalidad limpia e idealista de otro grande como Frank Capra, principalmente el de las cintas que protagonizó el genial James Stewart. Y es que, como el caballero sin espada, Tom Hanks, contenido y formidable, tiene la cualidad de decirlo todo con un simple gesto, con una mirada casi inapreciable. La sutileza (tanto del cineasta como del intérprete) se convierte en el mejor arma de un trabajo que respira verdadero amor por el cine. Por el cine rabiosamente clásico, se entiende.

INFERNO

HOLOCAUSTO BACTERIOLÓGICO

La mediocridad del escritor Dan Brown resulta directamente proporcional a su admirable capacidad de seguir tejiendo relatos que enganchan a los lectores menos exigentes en materia literaria. Sobre todo cuando todas sus tramas, al menos las relacionadas con su pupilo Robert Langdon, calcan estructuralmente una plantilla base (a veces, hasta diálogos) con una picardía que, a tenor de las ventas, parece no evaporarse: presentación con asesinato a investigar y protagonista involucrado; joven intrépida (relacionada siempre con el caso) se le une en la aventura; el argumento adquiere tintes apocalípticos, cortesía de un maléfico personaje omnipresente con carnet del Club Bilderberg; el desenlace, finalmente, nada tiene que ver con lo sugerido, reduciéndose a un brote esquizofrénico de un villano menor. Sí, en resumidas cuentas, las obras de Brown son auténticas tomaduras de pelo. Pero engaños con unos envoltorios tan bien manufacturados (en el sentido comercial de la palabra) y oportunistas que su eficacia, pese a quien le pese, sigue atrayendo a legiones de seguidores.

No desvelaremos hasta qué punto INFERNO asume los apuntes sugeridos en el primer párrafo. Sí diremos que su falta de pudor permanece inalterable, así como su afán de ofrecer un producto ausente de pretensiones y bajo en calorías. La cantidad ingente de trampas, MacGuffins y giros de guion que presenta la historia, sirviéndose de supuestos códigos ocultos en obras religiosas y pictóricas y cortadas por el mismo patrón, alcanza un nivel de inverosimilitud mayor incluso del que presentaban las dos adaptaciones cinematográficas anteriores del novelista (El código Da Vinci y la estimable Ángeles y Demonios), sobrepasando, en varios momentos, el límite de lo razonable (la resolución expuesta por el personaje interpretado por Irrfan Khan roza lo execrable). Pero también, y en esto tiene mucho más que ver la mano del director Ron Howard que la de Brown, ofrece un entretenimiento tan divertidamente absurdo como frenético y lícito en su conjunto. Insignificante y olvidable, sí, pero como blockbuster de temporada otoñal cumple sobradamente.

EL PUENTE DE LOS ESPÍAS

EL RETORNO DEL REY MIDAS

Hubo una época en la que Steven Spielberg era considerado, por muchas razones, el cineasta por antonomasia del panorama cinematográfico. Si un proyecto estaba acompañado de su firma, aunque fuera en calidad de productor, los cines se llenaban hasta la última butaca. Los años setenta fueron su presentación (El diablo sobre ruedas) y, antes de terminar la década, su total consagración (Tiburón, Encuentros en la tercera fase); los ochenta, la cúspide de su filmografía (E.T, Indiana Jones); y los noventa, el reconocimiento, bastante tardío, de la crítica más severa (La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan). No obstante, fue finalizar su díptico sobre la 2º Guerra Mundial y dejar a un lado la maestría que impregnaba la mayoría de sus obras. Comedias ligerísimas (Atrápame si puedes), dramas históricos interminables (Amistad) y, lo más sangrante, aventuras asépticas y descafeinadas (La guerra de los mundos, El reino de la calavera de cristal) empezaron a engrosar su nueva etapa, más sobria y comprometida, pero carente de la magia visceral de antaño.

Por ello, resulta reconfortante comprobar cómo, con EL PUENTE DE LOS ESPÍAS, Spielberg vuelve a sus raíces más profundas. La historia real del abogado y padre de familia James Donovan, una especie de Atticus Finch defensor de las causas perdidas, elegido por la CIA para negociar la liberación de un prisionero estadounidense en plena Guerra Fría, le sirve para tejer un apasionante relato deudor del mejor celuloide propagandístico hollywoodiense, regalándonos un ejercicio de puro cine clásico; el pausado, el que va cogiendo fuerza hasta liberar la emoción en los momentos clave, esos que diferencian la excelencia de la eficiencia. Qué planos, qué realización, qué dominio de la narrativa tan formidable.

En la primera hora, Spielberg, auténtico creador de atmósferas, nos sumerge en la locura anticomunista experimentada por EEUU en los años cincuenta y culminada con la famosa caza de brujas de McCarthy. El terror a lo desconocido se masca en un país refugiado en su bandera estrellada. Como ejemplo, la prodigiosa escena en la que el juez entra en la sala penal para, acto siguiente, encontrarnos en un aula escolar con los alumnos jurando el estandarte, mamando desde pequeños los ideales patrióticos. A partir del ecuador, el miedo adquiere forma. Las tornas cambian y contemplamos otro paisaje: el de la heladora Alemania Oriental, el del caos, el escenario del auténtico sinsentido. Tom Hanks y Mark Rylance, guía “turístico” y prisionero de este viaje respectivamente, se comen a bocados cada plano de la película, ofreciendo un antológico tour de force como hacía mucho tiempo que no se recordaba.

Cine de antaño trasladado a tiempos modernos, de ese que ha quedado arrinconado entre tanta magnificencia y producción frenética, El puente de los espías recoge la esencia del mejor Spielberg. Una obra extraordinaria, épica, humanista, con una media hora final inolvidable, un deleite para todos aquellos que añorábamos la época dorada del Rey Midas de Hollywood. Por suerte, ha regresado. Y por la puerta grande.

SAVING MR. BANKS

DESCUBRIENDO MARY POPPINS

Tal vez sea necesario revisionar con calma la monumental Mary Poppins antes de enfrentarnos a Saving Mr. Banks, la última propuesta de carne y hueso de la productora Disney. E incluso seguramente esté reservada a unos espectadores bastante concretos, como en su día ocurrió con la maravillosa Descubriendo Nunca Jamás; aquellos embriagados por la pizpireta niñera, seguidores de sus aventuras, sus bailes, silbadores inconscientes de sus pegajosos estribillos y conocedores de que tras la simpática historia se esconde una mucho más profunda, más allá de las peripecias de la institutriz con los niños Banks.

Dudo mucho que alguno de ellos se sienta defraudado con esta magnífica y conmovedora película, retrato de la escritora P. L. Travers, la insufrible y tozuda autora de la obra original cuyo traumático pasado fue clave a la hora de dar forma y vida a la mismísima Poppins.

Poco importa la exagerada idealización de Disney. Ni tampoco si la historia no se ajusta fielmente a los hechos. Lee Hancock obra el milagro consiguiendo momentos de verdadera magia, marca de la casa. A esto ayuda unas interpretaciones memorables, empezando por una brillantemente insoportable Emma Thompson, injusta ausente en la carrera hacia los Óscar, y un Tom Hanks soberbio como el propio Disney.
Excelentes todos sus encuentros (en donde la paciencia del creador de Mickey Mouse se verá perturbada por la inflexibilidad de la novelista) y preciosos (y divertidísimos) los momentos vividos dentro de la sala de trabajo junto a los hermanos Sherman. Aunque insisto, posiblemente sea necesario venerar el cuento para apreciar todo su encanto.

Muy bien contada, y más teniendo en cuenta la narración de dos historias paralelas (con la necesaria utilización constante del flashback), nos encontramos ante un viaje poco menos que psicoanalítico a la mente de la propia Travers. ¿Algo almibarado? Seguro. Pero servidor piensa que en esta historia de institutrices aéreas, paraguas parlantes y fantasía es lícito, casi obligatorio imponer, ya se imaginarán, un poco de azúcar.

PD: Atención a los créditos finales. Una sorpresa aguarda tras ellos.

CAPITÁN PHILLIPS

PIRATAS

Digámoslo sin tapujos. El argumento del nuevo film del nominado al Óscar Paul Greengrass (basada en la crónica real del Capitán americano Richard Phillips y su desafortunado encuentro en aguas internacionales con piratas somalíes) no atraía mi atención especialmente.
Una historia en principio poco apetecible, conocida entre pinzas por la mayoría del personal y, por desgracia, muy común en los informativos televisivos de hoy día.

Qué equivocado estaba. Increíble que historia tan poco cinematográfica adquiera tanto nivel, tanta pasión, en la gran pantalla; Greengrass no decepciona, derrochando dominio narrativo, una tensión asfixiante y brindando a Tom Hanks su mejor interpretación en años, magnífico como buque insignia de la película.

Pero vayamos paso a paso. El director realiza la que tal vez sea su obra de estructura más clásica, una aventura marítima a la antigua usanza que va in crescendo hasta conseguir un clímax irrespirable a la vez que sobrecogedor, pocas veces experimentado por el que aquí redacta en una sala cinematográfica. Reconstruye con verdadera admiración el relato de este lobo de mar, sin artificios y sin sentimentalismos varios. Y te lo crees, lo sientes y padeces.

Conozcas o no lo lo narrado, experimentas en tu propio cuerpo el agobio de tan fatídica situación; maestro en el género, el realizador de la notable Bloody Sunday trufa la primera parte del relato con acertadísimos primeros planos cerrados que introducen de lleno al espectador en el interior de cubierta, aumentándolos más si cabe ante la aparición de los temidos saqueadores.
La tensión, de primera clase, persiste hasta la última hora, momento en el cual ( y tras una pequeña transición cargada de tensión psicológica) Greengrass arroja toda su artillería pirotécnica y de montaje consiguiendo unos minutos soberbios, de agobiante y singular crueldad, dejando incluso al público más experimentado exhausto, derrotado.

Tom Hanks, más allá de cualquier alabanza, compone un retrato certero de un héroe que no eligió tal condición de honor. Una caracterización formidable, apoyada en un elenco en el que destaca el jefe de los piratas (tan desconocido que ni Google conoce su misterioso nombre) con el que comparte un gran duelo interpretativo. Lobo frente a cordero, cambiándose los roles según el minuto de metraje.

Apasionante, espléndida y escalofriante. Capitán Phillips es eso y mucho más. Una película con alma, palpitante y finalmente conmovedora.

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DETRÁS DEL CAPITÁN PHILLIPS (Spoilers)

Por si alguien no conoce el final del suceso escribo estas líneas aparte, pues no puedo dejar de comentar el increíble y carismático trabajo del dos veces ganador del Oscar por Philadelphia y Forrest Gump.

Los últimos minutos de este actor (concretamente el instante de su derrumbamiento emocional) son de una calidad interpretativa asombrosa y estremecedora, reflejo del sentimiento de desgaste de un espectador, como bien comentaba, extenuando ante las dos horas anteriores. Un sentimiento participativo, cómplice.
Es tal la maestría de su trabajo y de lo anteriormente narrado que uno asume, por unos instantes, la propia identidad (y aflicción final) del mismísimo Richard Phillips.

Perfecto final para este excepcional y agónico film.

SAVING MR. BANKS (Trailer)

Poco a poco se va notando cómo la industria va calentando motores ante la anual sucesión de festivales y premios que están por venir, mucho más próximos de lo que en un principio parece.

Para ir abriendo boca, aquí tenemos el trailer de la esperada Saving Mr. Banks, apuesta fuerte por parte de Disney de cara a posibles candidaturas.

Su apariencia, de momento, promete.

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CAPITÁN PHILLIPS y SAVING MR. BANKS; Tom Hanks por partida doble

Tras varios años sin destacar especialmente en el panorama cinematográfico, parece que 2013 será un gran año para el actor Tom Hanks, ganador del Oscar en dos ocasiones por sus brillantes creaciones en Forrest Gump y Philadelphia.

Con apenas unos meses de diferencia llegarán a España dos interesantísimas propuestas tan atrayentes como diferentes entre sí.

La primera, dirigida por Peter Greengrass (realizador de la trilogía Bourne), abordará la historia de Richard Phillips, capitán del Maersk Alabama, un buque de carga estadounidense asaltado en 2009 en aguas del océano Índico por piratas somalíes. Estreno, 18 de octubre.

La segunda, ya en Navidades, se centrará en la historia real de cómo Walt Disney luchó durante años por conseguir los derechos de la novela Mary Poppins de manos de su propia autora, la escritora P. L. Travers. Dirige John Lee Hancock y le acompañará en el reparto la siempre genial Emma Thompson.

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