LA IDEALIZACIÓN DE LA JUVENTUD
Érase una vez una joven de diecisiete años inteligente, inconformista y un tanto contestataria pero de buen corazón. Vivía con su familia en un barrio de Sacramento, justo en el lado de la vía del tren equivocado, caracterizado por una humildad que contrastaba con la ampulosidad de las mansiones que reinaban un pocos metros más allá. Soñaba con comerse a bocados el mundo, abandonar los dictámenes religiosos marcados por la escuela católica en la que estudiaba, descubrir por sí misma los secretos y el ambiente cosmopolita que esconden las ciudades situadas en la Costa Este de Norteamérica y alejarse de una madre a la que adoraba pero que, en el fondo, y como buena adolescente díscola e inmadura, no podía soportar. Se hacía llamar Lady Bird, quizás por intentar atrapar, aunque simplemente fuera a través de las letras que componían su nuevo apodo, parte de esas ansias de libertad que tanto anhelaba descubrir y que tan lejos le resultaba divisar. Su verdadera identidad.
Con total seguridad, y obviando los detalles más particulares, el argumento descrito en el anterior párrafo les suena familiar. Lo hemos visto exhibido, con mayor o menor fortuna, en innumerables producciones americanas, la mayoría desde la perspectiva independiente (o indie, como prefieran) que muestra la película que nos ocupa. No obstante, no se dejen llevar por los prejuicios. A diferencia de las más insulsas, lastradas por los convencionalismos y ciertos desmanes de pretenciosidad, la efectiva LADY BIRD, símbolo actual, por motivos evidentes, de la corriente feminista abanderada por Hollywood, sobrevuela por encima de la media gracias a la espontaneidad, el minimalismo y la carga nostálgica conferida por su directora, la (a veces pasional, a veces irritante) actriz Greta Gerwig, capaz de conglomerar con acierto los detalles más personales de su juventud y transformarlos en un collage que conecta de lleno con el pasado del gran público.
De esta manera, y apoyándose en la maravillosa interpretación de Saoirse Ronan, diamante en bruto de la industria actual y álter ego de la realizadora, compone un certero fresco sobre la reconciliación con esas raíces que un día rechazamos y la añoranza, vista desde la distancia, de aquellos maravillosos (e idealizados) años, capturando a modo de episodios sueltos momentos álgidos de la aventura misma del crecer: conversaciones inanes con nuestros amigos de sangre (brillante la secuencia en la que hostias no consagradas y debates sobre la masturbación comparten plano); las relaciones fallidas; las relaciones aún más fallidas; la soledad que conlleva la incomprensión y la fascinación que se proyecta más allá de los dominios del reino materno. Todo expuesto desde la más absoluta naturalidad, sin histrionismos, sin situaciones atípicas o falsamente desmesuradas, y en donde parece no pasar nada y, en el fondo, pasa de todo. Como en la propia adolescencia.
eso precisamente trata BROOKLYN; de la nostalgia que oprime el alma, de la ruptura del cordón umbilical que nos une a nuestras raíces. Saoirse Ronan da vida a Eilis, una emigrante irlandesa que decide cruzar el charco en busca de un futuro mejor en Nueva York. El apego a su tierra y el choque de las costumbres nativas con los hábitos neoyorquinos harán de los primeros meses un tiempo difícilmente soportable para la muchacha. Poco a poco, y gracias a su trabajo en unos grandes almacenes, la convivencia con sus compañeras de residencia y el afecto que siente hacia un fontanero italoestadounidense, conseguirá salir del bache asentando sobre terreno americano los cimientos de una nueva vida.
Menos onírica y más inteligible de lo que prodigaban algunas voces en el pasado festival de Cannes, la ópera prima de Ryan Gosling se traduce en un excitante experimento deudor, en demasía, de grandes artesanos como David Lynch o Terrence Malick y de cineastas más actuales como Nicolas Winding Refn, amigo y realizador de la película que le encumbrara a nivel crítico, la sobresaliente Drive. Lo curioso es que, cuanto más se aleja de sus mentores, mayores cotas de calidad adquiere el producto. Gosling sabe inyectar tensión e inquietud a una narración siempre comandada por la supremacía de la imagen frente a la palabra. Y aunque se notan errores de principiante (cierto grado de arrogancia, lógica por otra parte), perderíamos la cuenta enumerando los fascinantes hallazgos visuales, como ese torrente de agua devorador de antiguas ciudades en el que tan solo sobresalen unas farolas todavía funcionales o la entrada de acceso al local nocturno, cual Divina Comedia de Dante, desde ya icónica secuencia de esta arriesgadísima, perturbadora y, finalmente, envolvente propuesta.
Con muy diferente estilo y forma, pero con una misma intención claramente evocadora, Wes Anderson recrea en esta particular e imaginativa cinta una nostálgica estampa de un tiempo perdido en el propio tiempo, formado por singulares personajes partícipes de una última y memorable aventura antes de que los totalitarismos destruyan su idílico mundo, construido a golpe de saber estar, gusto y distinción. Todo bajo la personalísima batuta del director, cuyo estilo se perfila y consolida en esta obra, de impresionante factura técnica. Probablemente, la más abierta y directa al público mayoritario.
Admiradores y detractores aparte, no cabe duda de que Anderson es un verdadero creador. Ha sabido desarrollar un universo propio, inconfundible, en donde melancolía y comedia se estrechan fuertemente la mano. Todas sus constantes se dan cita en el enigmático Budapest: relatos episódicos entrelazados, perfectos encuadres, ritmo endiablado, zooms y frenéticos travellings. No obstante, ninguno de estos elementos destacaría si no fuera por la capacidad de fabulación del cineasta estadounidense. Inculca, como no lo había conseguido hasta ahora, un certero equilibrio entre lo que quiere contar y cómo lo quiere contar. Rescata hábilmente la esencia del cartoon y del cine clásico mudo, principalmente cuando los equívocos hacen acto de presencia, y dota de especial carisma a la hilera de inquilinos que habitan el hotel, empezando por un Ralph Fiennes en estado de gracia, brillante como conserje de profesión y amante en horas festivas.
Tampoco ayuda el tono impreso por su director, el en otros tiempos reconocido cineasta Neil Jordan, autor de la estupenda En Compañía de Lobos. Ni rastro de su personal sello, dejándose llevar por un ritmo excesivamente sosegado y de contenido desconcertante en su primera parte (incluyendo farragosos personajes, como el dueño del hotel con complejo de Edipo) y componiendo un apresurado y comercial segmento en el último tercio, con un final demasiado benevolente, poco arriesgado.
No obstante, está lejos de considerarse una mala película. Individualmente consta de varios aciertos, principalmente en la historia pasada y a nivel estético; los ecos de Anne Rice, ya manoseados por el propio Jordan en su comentada disección de sus Crónicas Vampíricas, destellan en sus mejores pasajes (el hedor a muerte, la peste de otros tiempos, la depravación sexual) e incluso se consiguen algunos momentos fascinantes, como la personificación del Ángel de la Muerte en el personaje de Ronan o las oníricas escenas (algo pomposas, todo hay que decirlo) de la cascada emanando sangre, iluminadas por una absorbente banda sonora, lo mejor de la cinta.
Crónicas de Cinéfilo 