STAR WARS: LOS ÚLTIMOS JEDI

EL (ANSIADO) DESPERTAR DE LA FUERZA

Éxito incuestionable en las navidades de 2015, endiosada desde meses antes del estreno por la legión de fervientes admiradores de los mandamientos Jedi, la ansiadamente esperada El despertar de la fuerza, séptimo capítulo de la mítica saga de Star Wars iniciada por George Lucas en 1977, supuso, no obstante, una notable decepción para la mayoría de unos espectadores que no vieron cumplidas las intenciones, artísticas y visuales, de tan titánica propuesta. Como no podía ser de otra manera, era una película trufada de efectos especiales, de escenas de acción perfectamente endosadas, de imágenes envolventes que nos remitían descaradamente a nuestra niñez. Su artífice J.J. Abrams, equivocadamente designado como heredero de Spielberg (intenciones le sobran, pero falla en emular el talento del director de E.T), jugaba en terreno seguro, calcando el esquema del buque insignia de la serie (La guerra de las galaxias) e incentivando los elementos más melancólicos con el fin de ametrallar el corazón de los espectadores. Eso sí, olvidando un elemento importante por el camino: la esencia de la trilogía inicial.

Al invento, tan ampuloso como estratégico, se le veían demasiado las cuerdas que lo sostenían. Abrams había creado un espectáculo atrayente pero plagado de sinsabores: rezumaba más publicidad que talento, más fuegos artificiales que inventiva, más reiteración que profundidad. Sin embargo, detrás de su maniobra comercial y su limitado empaque, propio de los actuales reboots y reservado finalmente a los incondicionales, se percibían, en la lejanía, elementos de interés a desarrollar en próximas entregas, vertientes aún inexploradas mucho más jugosas y excitantes que la resurrección del espíritu nostálgico del que hacía gala la función.

En una jugada muy inteligente por parte de su director Rian Johnson, STAR WARS: LOS ÚLTIMOS JEDI aparca la irritante y persistente evocación del anterior episodio en favor de la originalidad y la abertura de nuevos horizontes, ampliando con ello la riqueza del universo galáctico y ofreciendo una profundidad mayor en el tratamiento de los personajes más carismáticos. Dicho de otro modo: ofrece lo que muchos buscábamos en cada rincón de El despertar de la fuerza y no fuimos capaces de encontrar: diversión, aventura, emoción y sorpresas. Muchas sorpresas. No se trata de reescribir la historia, sino de desarrollar los conceptos clave de la misma. En sus salidas de tono, propias de los desvaríos cómicos de Lucas, en el contraste de sus momentos más infantiloides con otros teñidos de oscuridad y en la explotación desvergonzada de la malograda Carrie Fisher y de un inmenso Mark Hammill (brillante como espejo reflectante de su antiguo maestro Obi Wan Kenobi) pervive, por momentos, la verdadera mitología del modelo original.

Dejando claro la existencia de imperfecciones en un guion demasiado condescendiente, su absurda reivindicación de un ecologismo de ocasión y subtramas innecesarias que ya torpedeaban el desarrollo del film de Abrams (todo lo que concierne al personaje interpretado por John Boyega), esta nueva epopeya brilla en su renovación de los estandartes clásicos de la saga, alcanzando su cenit en un fin de fiesta atronador y en una arriesgadísima secuencia de cierre, síntesis de la pasión generada por este universo, que hará las delicias tanto del seguidor más acérrimo como de aquellos que, en los tiempos de la segunda trilogía de Lucas, abandonaron cualquier esperanza de reencontrarse con la magia visceral de antaño.

BROOKLYN

MI SITIO EN EL MUNDO

No es la primera vez que Irlanda es motivo de evocación en el cine. Ya en El hombre tranquilo, la obra capital de John Ford, John Wayne volvía a su Innisfree natal para expiar sus pecados e iniciar un nueva vida atendiendo a las sabias palabras de su madre sobre la comarca, un cuadro de postal detenido en el tiempo, de impresionantes parajes verdes, caminos serpenteados por laderas y pequeños pueblos presididos por el campanario de su iglesia. Los orígenes del protagonista se convertían en su tabla de salvación terrenal y espiritual, dejándose impregnar desde el momento de su llegada por un entorno tan bucólico e idílico como sumamente peligroso para la traicioneras redes de la melancolía.

De eso precisamente trata BROOKLYN; de la nostalgia que oprime el alma, de la ruptura del cordón umbilical que nos une a nuestras raíces. Saoirse Ronan da vida a Eilis, una emigrante irlandesa que decide cruzar el charco en busca de un futuro mejor en Nueva York. El apego a su tierra y el choque de las costumbres nativas con los hábitos neoyorquinos harán de los primeros meses un tiempo difícilmente soportable para la muchacha. Poco a poco, y gracias a su trabajo en unos grandes almacenes, la convivencia con sus compañeras de residencia y el afecto que siente hacia un fontanero italoestadounidense, conseguirá salir del bache asentando sobre terreno americano los cimientos de una nueva vida.

Más que la historia de una joven dividida entre dos amores, al director John Crowley le interesa el triángulo de dependencia que se establece entre ella y las dos patrias, la que la acogió y la que la vio nacer. Sin alardes narrativos ni artificios impostados, dota a la cinta de una singular calidez y de un corte identificablemente clásico. Eso sí, a diferencia de propuestas recientes, tales como las insufribles La teoría del todo o La chica danesa, lo académico no se apropia del relato; está al servicio del relato. La soberbia transformación de Saoirse Ronan de joven virginal e inexperta a toda una mujer de mundo, adaptada al american way of life como una estadounidense más, pone el broche de oro a esta pequeña y encantadora película.

EL RENACIDO (The revenant)

DEVORADO POR LA NATURALEZA

El exceso de pretensiones, ya lo hemos comentado muchas veces, puede jugar en contra de un largometraje con todos los ingredientes, a priori, para triunfar en cada campo cinematográfico. La brillantez formal, característica básica de este tipo de casos, normalmente palpable en el terreno visual e interpretativo, tropieza con unos intereses no siempre calculados por parte del director en cuestión. Se busca de una forma tan indómita la perfección que, lo que tendría que resultar glorioso y fascinante, se torna brusco y reiterativo. Algo así ocurre con la última película de Alejandro González Iñárritu. Visualmente bellísima, EL RENACIDO no es, empero, la gran película que esperábamos. Tampoco es mala, ni mucho menos (decir esto sería una falacia). Es, simplemente, un buen producto, en el sentido menos halagador y más justo del término, eso sí.

El realizador de la excepcional Birdman acierta en convertir a la naturaleza (animal, paisajística y sensorial) en un personaje más. La grandeza y esplendor de los parajes, la desolación que transmiten en su amplitud y el salvajismo siempre latente acentúan este amargo relato de venganza y justicia, esqueléticamente muy parecida a la poco recordada El hombre de tierra salvaje. Los planos secuencia, marca de la casa, se muestran coherentes con la trama, subrayando el ambiente hostil y claustrofóbico que rodea a sus personajes y ofreciéndonos magnífico material como la ya famosa secuencia del ataque del oso. Y cuando surge el western sucio y crepuscular que debía haber sido desde el comienzo hasta el desenlace, la película adquiere cotas de auténtico cine (véase la escena de apertura).

Paradójicamente, y aquí empezamos con los peros, su mayor virtud (el protagonismo del entorno natural como parte existencial del propio ser humano) se transforma en un defecto importante por culpa de las ambiciones desmesuradas de Iñárritu. El cineasta adopta un tono lírico próximo al Malick más trascendental y creacionista que choca con el argumento base, de estructura mucho simple y arquetípica. El misticismo, la evocación continua del paisaje y su, en ocasiones, desesperante actitud contemplativa, merman un ritmo narrativo ya de por sí lastrado por una duración totalmente desproporcionada. Hay momentos de épica, sí, pero también de tedio y aburrimiento. Y al final, a uno le queda la sensación de que la naturaleza misma devora a la historia, las interpretaciones, comandadas por unos entregados Di Caprio (con un nivel de supervivencia que cruza la inverosimilitud) y Hardy, y la majestuosidad que encerraba el proyecto. Porque si Iñárritu hubiera controlado sus ansias perfeccionistas más kubrickianas en favor de la emoción más fordiana, El renacido podría haber sido grande. Muy grande.

STAR WARS VII, EL DESPERTAR DE LA FUERZA

AFILIANDO A LAS NUEVAS GENERACIONES

Es el fenómeno del momento, y promete serlo hasta que la última piedra angular de la trilogía, proyectada para 2019, cierre el nuevo círculo galáctico. La taquilla virtual lleva temblando desde hace varios meses, dándonos pistas del boom que está por venir; las colas en los cines se extenderán a lo largo y ancho de varias manzanas; muchos repetirán la experiencia, no siendo extraño que ese segundo visionado se repita en el mismo día… y en sesión continua. El mito de STAR WARS se extiende más allá de los dominios de George Lucas, siendo J.J. Abrams, bautizado como el heredero infalible de Steven Spielberg, el encargado de hacer brillar de nuevo la franquicia ante el júbilo desatado del gran público. Razones no faltan: con EL DESPERTAR DE LA FUERZA no sólo pretende dar continuidad a la saga cinematográfica por excelencia (al menos, a nivel comercial) sino recuperar los personajes originales que hicieron huella en los espectadores allá por finales de los setenta. O lo que es lo mismo, trasladar al siglo XXI la magia visceral de la pieza original de Lucas. El reto, desde luego, es excitante, aunque también aventurado.

Una vez vista la que promete ser la película más taquillera de la Historia del Cine, a tenor de las cifras provisionales, se puede afirmar que los fans pueden dormir tranquilos. Abrams ha dejado aparcadas las complicaciones: juega en terreno seguro, siempre a la búsqueda de la melancolía más agresiva y del respeto más escrupuloso, mayor del que mostró Lucas en su trilogía posterior. Su film está pensado milimétricamente para satisfacer, de forma unánime, a los seguidores más entusiastas. Quizá, demasiado.

 

MÁS ESTRATEGIA QUE CORAZÓN

Apuntada a la moda de los cada vez más cansinos reboots, es decir, tomar como referencia el argumento y forma del original otorgándole un tentador acabado para las nuevas generaciones, la nueva entrega de la saga es como un enorme teatro de marionetas al que, lamentablemente, se le ven demasiado las cuerdas que lo sostienen. Sé que he visto una película loable, sé que Abrams ha hecho un buen trabajo, pero también percibo que hay más estrategia que corazón. Quiero contagiarme de la emoción, de la esencia que tanto invoca, pero sólo el entretenimiento hace acto de presencia en un espectáculo visualmente impecable pero nada innovador, de empaste blando y familiar (sí, se nota la mano de la actual productora, la en ocasiones inefable Disney)  y al que no le vendría nada mal empaparse del resplandor del Lado Oscuro.

Pero bueno, vayamos directamente al grano: ¿es mejor que la trilogía inicial? Ni por asomo, y quien diga lo contrario, en mi opinión, se está dejando llevar por la emoción del momento; ¿es superior a los capítulos iniciales? Mejor que La amenaza fantasma y El ataque de los clones, pero lejos de La venganza de los Sith, al menos de su última y fascinante hora; ¿gustará a los incondicionales? Por supuesto, la evocación es su punto fuerte. Eso sí, como le ha ocurrido a un servidor, puede que hasta el más fiel devoto se percate de que, desgraciadamente, en esta nueva epopeya hay mucha más nostalgia que historia.

CALVARY

REDENCIÓN

Durante un acto de confesión, el padre Lavelle es amenazado de muerte por uno de sus feligreses. Este, traumatizado por una infancia atroz, otorga siete días al religioso para que ponga en orden todos los asuntos que considere pendientes antes de llevar a cabo la ejecución. Con fuerza, atrevimiento y gran carga satírica, imagino sorprendente para muchos una vez leído el punto de partida, arranca el segundo largometraje de John Michael McDonagh tras la celebrada El irlandés. Una película a todas luces desconcertante, irregular en varios tramos del camino, pero interesante una vez vislumbramos la feroz crítica, a todos los niveles, de la sociedad en cada uno de sus feudales estamentos.

Domingo, misa matinal; momento escogido para la presentación de los habitantes de la comarca, diseccionados uno a uno a través de los ojos del sacerdote. Ya aquí encontramos el primer (y genial) dardo envenenado: individuos lascivos, farisaicos, comulgando y expiando sus culpas, con una apariencia muy diferente a la que veremos a medida que pasen los días, y entre los que se encuentra el posible ángel ejecutor. Y aunque resulte ameno hacer nuestras cábalas, lo que menos importa en esta narración es descubrir su identidad: CALVARY se preocupa más por retratar la pérdida de los valores morales y la insensibilidad de una población (espejo reflectante de la nuestra) que ni siente ni pretende encontrar la redención y que considera el perdón algo sobrevalorado. Narrada con temple y apoyada en unos maravillosos planos de los parajes irlandeses, los peros vienen de la mano de una comicidad un tanto exagerada, con momentos paródicos que tropiezan con el patetismo subyacente del film, y un innecesario subrayado de su descorazonador mensaje. Eso sí, alcanza unas conclusiones contundentes: en diferente grado, nos vemos salpicados por esa ausencia progresiva de creencias y de ética, incluido el propio y humanista padre Lavelle, daño colateral de una institución con muchos pecados que declarar. Al final, guste o no, todos estamos condenados.

UNBROKEN (INVENCIBLE)

MÁS PODEROSO QUE LA VIDA

Partiendo de la novela homónima de Laura Hillenbrand, best-seller mundial de reconocido prestigio, la otrora actriz Angelina Jolie, ahora embarcada en aguas direccionales, lleva a la pantalla grande la espeluznante historia de Louis Zamperini, atleta olímpico y prisionero de guerra durante los años de la segunda contienda mundial, respetando el espíritu nacional y fervoroso presente en las páginas del material de origen, indiscutible caramelo de cara a premios venideros.

La vieja escuela, principalmente la artesanía del señor Eastwood, se palpa en los planos y en la narrativa de la prometedora realizadora, que imprime además un vigoroso sentimiento épico a la historia de este superviviente nato consiguiendo una cinta notable, palpitante en más de un momento, extenuante en algunos tramos del camino, pero siempre admirable. Mucho tiene que ver la fuerza del relato contado, estremecedor (y extraordinario) testimonio del horror en tiempos de guerra pero también de resistencia, fe y esperanza. Jolie, conocedora como nadie de la emoción latente en la obra de Hillenbrand, se limita a esculpir en imágenes las vivencias del héroe, destacando la importancia de la infancia como base en la que asentar nuestros valores morales definitorios y dejando prácticamente el protagonismo a un soberbio Jack O´Connell, auténtico descubrimiento de la cinta, contenido en los momentos más íntimos e intenso en los puntos álgidos e intencionadamente emocionales. Así mismo, no duda en reflejar, con gran personalidad fílmica, el misticismo de Zamperini, convirtiendo al héroe en un mártir casi mesiánico a través de icónicas escenas (la crucifixión en las sombras, por ejemplo).

Los más alérgicos a los valores patrióticos made in USA, probablemente, se verán defraudados e incluso afectados de urticaria. Para el resto, queda una bellísima historia del valor de un hombre por encima de las adversidades, dotado de una fuerza atronadora, casi sobrehumana, más poderosa que la vida. Un gran paso en la carrera de una directora con mucho que contar.