TADEO JONES 2. EL SECRETO DEL REY MIDAS

EN BUSCA DEL TESORO PERDIDO

Fue la sensación cinematográfica del verano de 2012, al menos a cuanto a público infantil se refiere. Una promoción televisiva indecente por parte de las cadenas contribuyentes, pósters de la cinta por cada metro cuadrado y una grimosa melodía musical número uno en las radios más afamadas (posiblemente ya no se acordarán, pero la canción “Te voy a esperar”, orquestada por Juan Magán y Belinda, resonó hasta extremos suicidas en la cabeza de muchos españoles) propiciaron un éxito de público sin precedentes en una producción española de estas características, viéndose recompensada con dos de los Goyas más relevantes de la ceremonia: el de mejor dirección novel y (ejem) guion adaptado. Las aventuras de Tadeo Jones demostró que, si nuestra industria animada se lo proponía, podía conseguir la complicidad de nuestros queridos infantes. Incluso cuando el largometraje, brillante en el apartado técnico, cojeaba bruscamente en el terreno narrativo, bebiendo en demasía de unas referencias cinéfilas y contemporáneas (de esas impresas con sello de caducidad) que absorbían cualquier atisbo de personalidad al film.

Demolido el factor sorpresa, el espectáculo febril y descontrolado que presenta TADEO JONES 2. EL SECRETO DEL REY MIDAS, nuevamente satisfactorio en términos visuales, apenas regala minutos de riesgo y originalidad en materia de guion. Al menos para el espectador adulto. Los pequeños, en cambio, sí verán cubiertas gran parte de sus necesidades gracias a la explotación de los aciertos (comerciales, se entiende) exprimidos en la película original: una trama aventurera de fácil seguimiento, la aparición estelar del personaje cómico de rigor (la momia de la primera entrega, divertida para ellos, absolutamente insoportable para sus acompañantes) y el carisma de una pareja de enamorados tan acartonada como genuinamente efectista. Eso sí, reconociendo sus valores funcionales, exhibe, como defecto más sangrante (y, sin duda, reprochable), una sucesión ilimitada de insufribles tópicos y estereotipos propios de la cultura ibérica, identificando la Marca España con las tradicionales siestas, bailes andaluces y folclóricas enloquecidas por sus amados “gitanillos”.

ICE AGE: EL GRAN CATACLISMO

EL FIN DE UNA ERA

A diferencia de la saga Shrek, su más digna competidora y de mayor ambición argumental, al menos en sus inicios, las secuelas de La edad de hielo han sabido mantener la complicidad con un público que siempre ha recibido con júbilo cada uno de sus estrenos. Consciente de que todo lo que tenía que decirse se planteó en el excelente modelo original, la franquicia optó por infantilizar al máximo el humor de sus hazañas (¿para qué centrarnos en los adultos, si al fin y al cabo acudirán a los cines con sus vástagos?) y reciclar la idea original en una continua sucesión de gags episódicos, asumiendo una estructura calcada entrega tras entrega cambiando, tan solo, el detonante del conflicto e incorporando nuevos y cómicos acompañantes de viaje como genuina cortina de humo. Algunas veces, el invento daba buenos resultados (la segunda parte); otras, se situaba al borde del desastre (la difícilmente soportable La formación de los continentes).

Mejor que la anterior, y centrándose, pues, únicamente en el sector infantil, algo que seguro disgustará a los seguidores más entrados en años, ICE AGE: EL GRAN CATACLISMO funcionará entre los más pequeños de la casa gracias a dos factores fundamentales: el carisma del grupo protagonista, iconos ya de la nueva generación animada, y, cómo no, la presencia de la simpática ardilla Scrat, alma incuestionable de la pentalogía y estrella de los momentos más graciosos de la película. Para sus acompañantes adultos, quedarán las siempre agradecidas referencias cinematográficas, algunas (pocas) sorprendentemente reservadas al cinéfilo más experimentado, y una continua sensación de que la fórmula, aun honesta en sus propósitos, se extinguió en épocas ya prehistóricas.

EL RECUERDO DE MARNIE

EL RETRATO DE MARNIE

No tan recordada como debería, El retrato de Jennie, o Jennie a secas (como actualmente se conoce), proponía un fascinante juego de espejos: el espíritu de una joven, de bellísima apariencia, se presentaba en diferentes periodos de su vida ante la atónita mirada de un pintor falto de inspiración, quien caía perdidamente enamorado de su hechizo y misterio. La protagonizaban Jennifer Jones y el gran Joseph Cotten. Con un clímax onírico próximo al posterior Vértigo de Hitchcock, y cargada de un hipnotizador halo espectral, pasado y presente se daban la mano en una de las historias románticas más hermosas e insólitas que nos ha regalado la gran pantalla.

EL RECUERDO DE MARNIE, última producción, si no cambian las cosas, del Studio Ghibli, adopta la gran revelación final de la obra maestra de William Dieterle: el amor y los recuerdos nunca mueren, siendo capaces de rasgar hasta los límites del propio tiempo. Sobre el papel, la idea es de lo más jugosa; en su traslación cinematográfica, no se le puede sacar mayor partido al asunto. De hecho, este sincero relato sobre la fortaleza que subyace en los lazos de sangre no podría entenderse en versión real o, al menos, gran parte de su encanto se habría perdido. La animación, marca de la casa, detallista y de un realismo sobrecogedor, rebosa una imaginación desbordante, componiendo pequeños lienzos dominados por noches estrelladas y radiantes paisajes potenciadores de la atmósfera melancólica requerida por la cinta. Como en Jennie, hay magia, verdadera poesía sobrenatural. Y cuanto más juega a la evocación fantasmagórica (la tormenta en el granero del desfiladero; la mansión a la que sólo se puede acceder cuando baja la marea, como ocurría en La dama de negro), mayores cotas de belleza alcanza esta maravillosa película, reluciente broche de oro de un estudio con un interminable legado de joyas cinematográficas en su haber.

CARLITOS Y SNOOPY: LA PELÍCULA DE PEANUTS

UNA PANDILLA DE PILLOS

Si Charles M. Schulz, autor de las viñetas de Charlie Brown y su inseparable compañero de cuatro patas Snoopy, levantase la cabeza, sería el primero en dar el visto bueno a la traslación cinematográfica de sus más carismáticas criaturas. De hecho, de haber sido la mano ejecutora, posiblemente THE PEANUTS no hubiera variado ni una sola coma. La pluma del creador, o mejor dicho, su lápiz de carboncillo, vive en cada uno de sus fotogramas, dibujando a los más pequeños de la casa el intrigante y contradictorio mundo de los adultos, con sus prontos neuróticos, miedos y aspiraciones idealistas, a través de sus mismos ojos.

Sus peripecias en pantalla grande poseen los ingredientes que Schulz cocinó durante tantos años: ternura, una imaginación desbordante, grandes dosis de amistad y, en consecuencia, de los valores que la hacen posible. Los mayores, intoxicados por la complejidad que el cine de animación ha soportado en los últimos años gracias a la indispensable Pixar, tal vez sintamos cierta falta de riesgo en la propuesta, sin caer en la cuenta de que la sencillez de su argumento es todo un riesgo en sí. Hacer un largometraje casi exclusivamente para los niños en los tiempos que corren y no morir en el intento tiene mucho mérito. Y matizo el casi porque los admiradores ya canosos, aquellos que siguen conviviendo con el niño que una vez fueron, van a disfrutar como auténticos enanos. Al fin y al cabo, con o sin 3D, estamos ante una aventura 100% Snoopy.

DEL REVÉS (INSIDE OUT)

EL MISTERIO DE LA EMOCIONES

En la mejor película de Pixar hasta la fecha, la formidable Up, a Pete Docter le bastaron unos pocos minutos para fotografiar, con pasmosa sinceridad y alegoría, el paso del tiempo de un matrimonio desde su feliz casamiento hasta que, ya ancianos, la muerte se cruza en el camino de uno de ellos. Por mucho bagaje cinematográfico que se tenga me atrevería a afirmar que pocas veces el cine (y, por ende, el público) ha contemplado una emoción similar a la de esos indescriptibles instantes llenos de ternura y aplastante belleza, ni tampoco que haya plasmado con tanto realismo y detalle, en tan reducido espacio de tiempo, un concepto tan complejo como es la vida.

Seis años después de presenciar los achaques de la vejez le toca el turno a los primeros síntomas de la adolescencia. O mejor dicho, a los mecanismos que se mueven durante este período. Haciendo gala de una imaginación a prueba de bombas, Docter pone voz y forma a nuestras emociones, descubriéndonos un mundo en donde todo estado cognitivo, abstracto y sentimental explota ante la llegada de una época desconocida para Riley, una chiquilla invadida por una alegría constante que, poco a poco, empieza a marchitarse. “Desde dentro” contemplamos la importancia de todas y cada una de sus emociones, ya sean positivas o dañinas, así como el hecho vital de experimentar cada una de ellas para alcanzar el florecimiento personal.

Narrada con enorme talento y una pasión desbordante, INSIDE OUT supera todas las expectativas marcadas: es, sin ningún tipo de duda, una verdadera obra de arte, el film más extraordinario de lo que llevamos de año y, junto con Up, de la ya indispensable Pixar. Divertida y profundamente conmovedora, seguro que en un futuro acabará mostrándose en clases de coaching e incluso,  y con más motivo, en las aulas escolares: no es fácil encontrar historias que ejemplifiquen con tanta inteligencia lo que significa la aventura del crecer.

LA MECÁNICA DEL CORAZÓN

EL (EXCESIVO) PODER DE LA IMAGINACIÓN

Desconozco la calidad literaria de la novela francesa Jack y la mecánica del corazón, reciente éxito en librerías de todo el mundo gracias a la consabida técnica del boca a boca. Hay quienes me aseguran que se trata de una pequeña joya; otros, bastantes, me comentan que estamos ante una obra en exceso sobrevalorada, inestable, deudora de otros cuentos fantásticos de corte infantil. Tomando como única referencia la película basada en la historia y dirigida por el propio autor, Mathias Malzieu, me inclino a pensar que estaría más de acuerdo con las opiniones, lamentablemente, más desfavorables.

LA MECÁNICA DEL CORAZÓN nace como un sentido homenaje a la imaginación, casi diría que como la definitiva aproximación al amor desde la fantasía más surrealista y profunda. No deja de ser paradójico que, precisamente, sus puntos débiles sean la congestión que produce su descomedido nivel de creatividad, no pocas veces irritante, así como su, contra todo pronóstico, impersonalidad fílmica. Ningún plano se verá exento de algún detalle ensoñador, de alguna preciosista originalidad visual, sin que inmediatamente nos venga a la cabeza las ideas y estética del universo de Tim Burton y de un buen puñado de obras universales y modernas (desde Pinocho pasando por el extraordinario relato de Hugo Cabret). Malzieu, además, adorna la opereta con una música, y aquí reinan los gustos personales, histérica e inapropiada, recurriendo a excéntricas canciones en los momentos en que los agujeros del guión hacen acto de presencia. ¿El resultado final? Un relato de público indefinible, con oscuros pasajes complicados para los niños y con detalles demasiado infantiloides para el espectador adulto. Y entre este batiburrillo de ideas, uno admite el escalofrío que le produce ver al inmortal cineasta Georges Méliès como una especie de cómico feriante amante de dos hermanas siamesas. Algunos lo llamarán imaginación; yo, desconcierto.